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VALERIA SCHULTE-FISCHEDICK (*1968) is an art historian and curator who lives and works in Berlin. She is responsible for the International Studio Programme at Künstlerhaus Bethanien. She explores subject matter such as the ‘formless’ and its different readings since its beginnings in the 1960s, and has published texts on Louise Bourgeois and Lynda Benglis from a queer feminist perspective. She regularly contributes to a art magazines and artist catalogues.

Closed Society between Infinity Pool and Oil Leak

by Valeria Schulte-Fischedick

A Bigger Splash

We are all familiar with that cosy, languorous, sun-drenched feeling as the glistening water in a deep blue pool swirls around our feet … We are all famil­iar? The exhibition Swimming Pool—Troubled Wa­ters draws on the wide range of ideas and emotions we associate with the topos of the “swimming pool” and seeks to expose those common clichés and prejudices that chart our diverse, lasting, and often murky experiences with water.

The pivotal axis of the exhibition is Luca Gua­dagnino’s A Bigger Splash from 2015, a film inspired by Jacques Deray’s thriller La Piscine from 1969, while simultaneously referencing David Hockney’s painting of the same name from 1967 [1]. In the sultry heat of Saint-Tropez, Luca Guadagnino has created a veritable anti-film, brushing its sensually elegant predecessor from 1969 against the grain. The out­side world hardly ever spills over into this elegantly shot relationship drama: the Paris student protests, let alone the Vietnam War, are not even hinted at.

Guadagnino’s film takes place on Pantelleria, an island perched between Sicily and the coast of Tu­nisia. The refugee dramas that unfold here repeat­edly infiltrate the periphery of the plot, be it in the shape of a news programme running in the back­ground while a local explains the protagonists how to prepare ricotta, or in the speechless encounter between the protagonists and a group of refugees during a walk. Towards the end, the migrants are wrongly suspected of the murder at the heart of the plot. An eccentric and edgy Tilda Swinton embod­ies the role previously played by Romy Schneider, while Matthias Schoenaerts offers a contemporary rendition of Alain Delon with his more sensitive portrayal of masculinity. The island is windy and dusty. Right at the beginning of the film, the protag­onists soak in a mud bath, presumably the biggest possible contrast to a dip in a sky-blue pool. The decisive moment however, is established with the interweaving of the migrants’ story as incidental events—as incidental as the European perception of the refugee crisis. And thus, A Bigger Splash continually oscillates between the microcosm of the private pool and the macrocosm of the Medi­terranean.

The history of public baths, private pools and their respective architectures is a fascinating one. “Pools can be transgressive spaces too”, writes Christopher Beanland, citing Ellena Savage, who connects pools with Michel Foucault’s concep­tion of heterotopic places (Beanland 2020: 13). Swimming pools, particularly public ones, are also places where access is negotiated on the basis of social class, gender, age and skin colour in particu­lar—places of exclusion, past and present. Last but not least, environmental pollution is an issue that literally amasses in water. The exhibition Swimming Pool—Troubled Waters was conceived as an open associative field, with water serving as the recurring and connecting element. In the exhibition, the swim­ming pool as a carefree symbol of affluence and the corresponding ideals and clichés that surround it are lastingly muddied.

Exhibition PosterForty Years of Modern Art 1945–1985 at Tate Gallery. Copyright: David Hockney, Tate Gallery.

Murky waters

As mentioned, the title of Guadagnino’s film also refers to Hockney’s famous painting A Bigger Splash, now at Tate Britain in London. The splash produced by the body that has just jumped into the water is both a metaphor and a sign of absence: a freeze frame of “the recently there” [2].  Whether or not one is aware of the fact that Hockney was heartbroken at the time—the man who caused the splash is Peter Schlesinger, an ex-lover by the time Hockney immortalised him—his pool paintings with their characteristic streaks of water reflect a queer-hedonis­tic lifestyle. As Charles Sprawson writes, “In Hollywood, Hockney became fascinat­ed by the effect of sunlight on water. … in these transparent waters of Hollywood, the Californian sun transformed a still surface into a pattern of dancing lines enlivened by the various colours of the spectrum. These pools became icons of the Californian way of life and the scenario of so many of the ‘blue films’ produced there” (Sprawson 1992: 269–70). He goes on to de­scribe swimming pools as “liquid emanations of the American dream” (Sprawson 1992: 222).

The French street artist Aguirre Schwarz (aka ZEVS) has appropriated Hockney’s iconic motif of pool-in-front-of-bungalow and conjures the ev­er-topical problem of oil pollution by large corpo­rations through a simple intervention—a puddle of oil gushes itself into the once pristine water. In her film Diver (2018)—screened as part of the film programme curated by Olaf Stüber—the Kuwaiti artist Monira Al Quadiri lets synchronized swimmers ‘re-enact’ the disruptive role of oil in the Persian Gulf. The movements are choreo­graphed to a song traditionally sung by pearl-divers, referenc­ing the dominant economy in the region before the discov­ery of oil. In Days of Inertia (2015), Nina Canell works with water in a different way. Her tiles, each covered by a thin layer of water held in place by a hydrophobic coating, resem­ble pools in abstraction. They also testify to the all-defining elements poetic equilibrium and reflective properties. The title of the work could also be that of a novel or a film, and although not intended by the artist, it brings to mind countless scenes from sultry summers along the edge of a pool. The heaviness of one’s body, Alain Delon who, lying on his back by the pool, hardly cares to lift his glass. Immobility. Wonderful, enviable boredom. The title also derives from physics, where the term ‘inertia’ describes the penchant for mass to remain immobile. In spite of its natural tendency to surrender to gravity and expand, Canell lends inertia to water, giving form to formlessness.

Ulrich Vogl’s sculptural interpretation draws on a rather carefree conception of the pool: The water in a small basin, whisked by a fan and lit by a spotlight, is reflected onto the wall. His Kaktus from 2012, on the other hand, echoes the mat­ter of drought. Water scarcity and the hu­man propensity to build desert cities like Las Vegas are also explored in the video installation Neon Oasis (2017) by the New Mineral Collective. The artists Tanya Busse and Emilija Škarnulytė filmed a spa in Las Vegas that lets viewers experience the stark contrast between the desert and the artificially staged water worlds.

The author and journalist Joan Didion, who researched California’s water supply system for her essay Holy Water (1977)—water has to be pumped into the state at great expense—offers a different expla­nation for the swimming pool density in the Golden State in light of the droughts she has witnessed: She rather sees it as an expression of the desire to control an elusive element that threatens to vanish [3].

Ellena Savage in turn describes the very literal mud­dying of public swimming facilities:  “The pool’s water goes nowhere, except through a large mechanical filter. Toxic chemicals sanitise the water. The water runs largely still. But even the stillness of the pool is not, as Shakespeare would have it, an indication of depth. The kiddie pool’s other name? Piss paradise. The risk of contracting E. coli at your local pool? Almost guaranteed. The pool is always a bit contaminated, yes, and a little bit gross. If the pool signifies anything at all, it signifies our faith in the state—or at least in the management team—to neutralise the shit particles before they curl their way into our mouths.

The blue, or turquoise, or aquamarine of the pool’s painted or tiled walls make reference to the platonic blue of unreal water. Out there, in the machine of nature, bodies of water are more likely to appear the colour of copper, or gunmetal, or ink, or sand. So that electric blue is the first clue that the swimming pool contains some important and unreal fantasies of health and inclusion and identity.” (Savage 2019)

In Diving Through Europe, a project set to tran­spire over 30 years, Klara Hobza swims through uninviting, brackish rivers from the Atlantic to the Black Sea, diving next to huge ship’s propellers and going ashore under the eyes of surprised tourists in Delft. No less absurd or impressive than this unfold­ing project, and equally ambiguous, is Daniel Bozh­kov’s Darth Vader, who attempts to clean an ocean equipped only with a Britafilter.

By using sunscreen as an artistic medium, Nor­wegian artist Sandra Vaka refers not only to the water pollution which the lotion causes, but also to the invasive aspect of tourism. Authors such as Jane Bennett or Maud Barlow have extensively documented the pollution of water by plastic and the re­sultant garbage patches that are forming in our oceans [4].

The Icelandic artist Hulda Ros Gud­nadottir examines the working conditions in the fishing industry in her home coun­try. Involving the workers and document­ing the changes in the industry, she also looks at the problems caused by “ghost fishing”. In 2016, as Part 4 of the artist’s multi-chaptered project Keep Frozen (2010–2016), dock workers carried a fishing net which had been found and hauled from the sea floor, from the port in Reykjavík to the ASÍ Art Museum where it became part of the exhibition after the performance.

Blank spaces and exclusions

Next to Guadagninos film, at the centre of the exhibitions associative core, one finds the C& Center of Unfinished Business by Yvette Mutumba, Julia Grosse and Mearg Negusse. Their research structure compiles the publications of host institu­tions from a colonial-critical perspective and subsequently highlights and fills the gaps in their respective libraries with their own and loaned literature—in this case from Each One Teach One (EOTO) e.V.. Visitors are invited to leave lasting marks in the exhibition by printing out articles or writing down comments on sticky notes. In her contribution to this catalogue, Mearg Negusse focuses on one of the books in the library of the Künstlerhaus Bethanien: Natur im Bild: Landschaftsmalerei des 19. Jahrhunderts aus der Sammlung der Neuen Galerie Graz [Eng.: “Nature in the Image: Nineteenth-Century Landscape Painting from the Collection of the Neue Galerie Graz”]. Against the backdrop of this “standard work” of European art history, Negusse looks at portrayals of people in the art of Edward Mitchel Bannister, one of the few Black landscape painters in the nineteenth century. It becomes apparent that Bannister’s landscapes do not depict any Black people, something Negusse interprets as a “survival strategy”.

The history of public swimming pools and baths, especially in the USA, and their exclusion of black people is vividly told by Jeff Wiltse in the book Con­tested Waters: A Social History of Swimming Pools in America [5].

In the exhibition, a historical photo­graph from 1964 by Eve Arnold shows hotel man­ager James Brock as he pours hydrochloric acid into a pool at Monson Motor Lodge in St. Augustine, Florida, in an attempt to uproot Black and White activists protesting against segregation therein. The Monson Motor Lodge protest was an important mo­ment in the history of the Civil Rights Movement.

In his book, Sprawson also addresses the discrimination of Americans of Japanese descent in a public bathing establishment in California, which they were only allowed to visit on Fridays, and which was “drained and cleaned before be­ing used by whites on Saturdays” (Sprawson 1992: 273). Public swimming pools were, and still are, an important social space where questions of access based on gender, class, age and skin colour have been perpetually renegotiated over the course of time. Not least the question of who may (learn to) swim plays a decisive role in this context. Savage points out that not being able to swim has much more dramatic consequences in countries outside of Europe. In many cases, gender is also a deci­sive factor: Nearly 96 percent of drowning deaths occur in countries with lower incomes, 90 percent of which concern women and girls (Savage 2019; Beanland 2020: 14).

Drowning has also been a common cause of death in countries with strong fishing industries such as Iceland. The Icelandic documentary and art film Dive: Rituals in the Water by Elín Hansdóttir, Anna Run Trygvadóttir and Hanna Björk Valsdóttir from 2019 portrays a passionate and innovative swimming instructor who has taught generations of babies and disabled people self-confidence in and under water. The close connection between the ability to swim and social participation is further expanded upon in the documentary Dry Swimming [orig.: “Trockenschwimmen”] by Susanne Kim (2016), in which older people learn how to swim and are thus given new access to life. The Brazilian short film Breakwater (Quebramar) (2019) by Cris Lyra, in which a group of young lesbians spend a few days in a protected area by the sea, is not least about overcoming traumatic experiences such as police violence.

During the summer months, the Berlin project space TROPEZ—invited to the exhibition to “extend the pool season”—presents a unique, much-noticed programme under the direction of Nele Heinevetter in the Humboldthain public swimming pool. In summer 2020, curator and social and cultural scientist Jessica Korp completed a three-month residency during which she explored life at the swimming pool. She reached the conclusion that here too, access to the pool was impeded by hurdles that excluded certain socially disadvantaged groups. Above all, her research devoted itself to associations and initiatives that promote inclusivity in Berlin.

Johnny Miller’s aerial photographs illustrate how the question of access manifests itself physically. His drone shots of Johannesburg unveil the blunt contrast between spacious, pool-clad homes and densely packed neighbourhoods on either side of the same road.

Another filmic reference present in the exhibition triggers a further sequence of associations: The Swimmer (1968)—based on a short story by John Cheever and directed by Frank Perry and Sydney Pollack—is a multi-layered melodrama about class barriers and segregation. Little by little, pool by pool, the life story of the radiant and athletic protagonist (Burt Lancaster) who swims through the pools of his presumed friends, unravels. The proud, consistently White pool owners he meets along his route never tire of praising their latest filtration systems, advertised to filter out 99.99 percent of all unwanted particles. In one scene, the protagonist mistakes a Black chauffeur for another driver, whose musical talent and “sense of rhythm” he begins to exhaustively extol. The increasingly distanced attitude of the driver escapes him.

Frank Perry, The Swimmer, 1968,  film still. Copyright: Sony Pictures Entertainment Motion Picture Group.

The Swimmer is a parable about social decline and exclusion, the pool a symbol of wealth and social recognition. An “American dream”, which the protagonist however puts in doubt and from which he is increasingly excluded. Enraptured, he opposes it with his own, nature-loving “dream”. In the end he musters his remaining strength to swim through an overcrowded public pool where people, standing rather than swimming, speak the language of the “lower” classes. On the hill directly above the pool stands his ruined villa. The twist: The protagonist’s own property does not feature a pool, “only” a tennis court.

In 2013 Fermín Jiménez Landa re-enacted this iconic film by crossing Spain from pool to pool. Donning flip-flops on his feet, and a towel thrown casually over his shoulder, he rings the doors of Spain’s fenced-in properties. Here, water shortage is a pressing issue, and yet water flows abundantly into pools and golf courses used only by a tiny percentage of the population. The thread of The Swimmer is picked up in Stüber’s film programme, most notably in Controfigura (Stand-in) (2017) by the Italian director Rä di Martino, who transposes the scenario to Marrakech as a meta-making-of-film—amongst other to expose class segregation. Indeed, the majority of the biggest and most beautiful facilities and pools we see in the film do not belong to the local Moroccans. As staples of both pop and high culture, these filmic references have shaped the Western way of thinking as well as its concept of prosperity and division of the world. A different perspective, in this case aimed at Europe, is presented by two films on display in the exhibition. In the film An Opera of the World (2017), shown at documenta 14, Manthia Diawara interweaves the African opera Bintou Were, a Sahel Opera, which premiered in Mali in 2007, with shots of current and historical waves of migration. The filmmaker emphasizes how new cultures form, and have always been formed through migration, not least by those same Europeans who are now largely tightening their borders. In Touki Bouki (1973), a film by the Senegalese director Djibril Diop Mambéty, the young protagonists long to emigrate to Europe, specifically Paris. At the same time, the film chronicles the inner turmoil and high price associated with leaving one’s country behind [6].

Djibril Diop Mambéty, Touki Bouki, 1976,  film still. Copyright: Trigon Film.

This segregation by (maritime) borders and inaccessible countries is highlighted in a particularly poetic and painful manner in the work of the Algerian artist Mounir Gouri, whose subtle film Naufrage (Shipwreck) (2016) documents the last moments before two friends’ departure to Italy. Gouri reminisces how he as a child had a dream to dig a swimming pool in the garden of his parents’ house since the sea seemed inaccessible. Shot in similarly long takes, the film with the evocative title Citizen (2015–17) shows artist Santiago Mostyn crossing the Aegean in a small rowing boat from Turkey to Samos. Under the surface it conveys deep melancholy, vividly illustrating the colossal imbalance between the vastness of the sea and the tininess of the boat and its passenger.

In his recent book Ferienmüde, Valentin Groeb­ner explores the connections between popular tour­ist destinations and the history of slavery, whereby the Canary Islands and the Caribbean take on a whole new meaning: “Not only in Venice, but also in many other places, the modern tourists are direct­ly on the trail of the slaves. The modern epitome of the tropical idyll, the Caribbean, is the colonial archipelago of forced labour. Between the sixteenth and the end of the eighteenth century, between five and six million West Africans were sold there to produce cheap coffee and sugar for Europe on the plantations” (Groebner 2020: 117) [7]. Not so long ago the beach was a dangerous place that was best avoided, a gateway for pirates and conquerors that offered no protection (Groebner 2020: 24ff). To view and use them as “dream destinations” consequently means obscuring this past.

Alice Creischer acts against this repression by transporting German participation in the violent suppression of the Paris Commune in 1871, to Tropi­cal Island in Brandenburg, an artificial beach com­plete with palm trees, huts and staggering amounts of energy and kitsch. Over and over, children in Communard clothing let themselves fall into the sand, sometimes quickly as if shot, sometimes more slowly. Abstract bullet holes pinpoint the transpired violence amidst unimpressed beachgoers. The theme of colonisation also permeates the work of Singaporean artist Ming Wong, whose installation Bloody Marys—Song of the South Seas (2018) plays with clichés of the South Seas and tropical exotici­sation against the backdrop of the Pacific War.

Swimming in a pool of metaphors

Not only water is rich in symbolism, but the “swim­ming pool” itself is a metaphor par excellence. In John Updike’s short story The Orphaned Swimming Pool (1970), the empty pool reflects a relationship that is literally drying up. In the short story The up Escalator by Bret Easton Ellis, the master of Cal­ifornian cool, neither the beautiful pool nor pool boy can give meaning to his protagonist’s sedative existence in LA [8]. The pool in Paolo Sorrentinos film Youth(2015), becomes a fountain of youth in which two ageing men hit on a “Miss Universe”. In the video to Kendrick Lamar’s song Swimming Pools (Drank) (2012), the swimming pool symbolises the alcohol-induced death of a friend. In 1995 Laurie Anderson highlighted the captivity of a whale in a dolphinarium: “And one of the questions the whale kept asking was: ‘do all oceans have walls?’” Süd­deutsche Zeitung Magazin just recently reported a “mermaiding” trend, noting that more and more young women are swimming with fins [9].

There are countless other films staged in and around swimming pools. The reductive stereotypes featured in Peter Sellers’ 1968 film The Party makes for difficult watching today. In The Graduate (1967), the pool acts as a retreat from the frightening and demanding world of adults, with the main protagonist played by Dustin Hoffmann scuba-diving in one to escape the madness. In the Elton John biopic Rocketman(2019), a lengthy pool scene similarly signifies escape: a neardeath experience underwater allows the adult John to meet himself as a child. In the 2020 Netflix series White Lines, it seems as if 90 percent of the scenes take place in pools or in the ocean. Not least, pools are oft-used locations in horror films and pornos. Hollywood moreover invented the genre of wa­ter-based musicals with synchronized swimmers acting as a choir (Hodgson 2018: 7). Argentinian director Lucrecia Martels La Ciénaga (2001) also deserves a mention, in which the water in the pool is as impenetra­ble as its protagonists’ emotional chasms and entanglements. Lastly the Cuban-Soviet film Soy Cuba (1964) by Mikhail Kalatozov opens with an unforgettable long tracking shot that ends underwater in a pool, shot with a camera wrapped in a plastic bag.

The exhibition could be expanded in many directions, as the swim­ming pool, between image of longing, sta­tus symbol and social diagram, is a true seis­mograph of social life. Film and video seem to have a particular affinity for water. Besides Hockney, many other artists have addressed the “pool” in all its possible forms, including Martin Borowski, Anne Frémy, Nan Goldin, Isa Melsheimer, Ed Rus­cha, Ryan Trecartin, James Turrell and Bill Viola. In the Argentine pavilion at the 49th Venice Biennale in 2001, one could walk through a pool by Lean­dro Erlich and still keep one’s feet dry. A thin layer of water on a sheet of plexiglass mounted above one’s head created the illusion of being underwa­ter. Also in Venice, and besides a large public pool installation in New York, Elmgreen & Dragset had a dead collector drift upside down in the water basin of the Nordic Pavilion at the 2009 Biennale. Tracey Emin was (or maybe still is) planning a major pool project along the Thames, according to a report in the Sunday Times in 2003. Christoph Schlingensief had bigger ambitions still: In 1998 he provocatively proposed to overflow Lake Wolfgang in Austria by having scores of jobless people (unemployment figures were particularly high at the time) enter the water at the same time in order to flood the holiday home of Federal Chancellor Helmut Kohl [10]. When viewed without sunglasses and soft focus, the pool indeed appears to be an inexhaustible theme—its shimmering surface concealing both depths and shallows.

"Baden im Wolfgangsee" Aktionsfoto of the CHANCE 2000-Aktion with Christoph Schlingensief and friends at Helmut Kohl’s vacation getaway in 1998. (TV still).

[1] 2003 saw the release of the brilliant, freely interpreted remake by François Ozon called Swimming Pool.

[2] During the 1936 Olympic Games, the Nazi propaganda filmmaker and photographer Leni Riefenstahl photographed swimmers’ bodies in the water and the splashes they pro­duced, particularly underwater.

[3] “I have always wanted a swimming pool, and never had one. … A swimming pool requires, once it has been filled and the filter has begun its process of cleaning and recir­culating the water, virtually no water, but the symbolic content of swimming pools has always been interesting: a pool is misapprehended as a trapping of affluence, real or pretended, and of a kind of hedonistic attention to the body. Actually a pool is, for many of us in the West, a symbol not of affluence but of order, of control over the uncontrollable. A pool is water, made available and useful, and is, as such, infinitely soothing to the Western eye” (Didion [1977] 1979: 63–64). On the subject of water scarcity in California and the so-called California Water Wars, see also Roman Polans­ki’s film Chinatown (1974).

[4] An example of a more collective hoard is the Great Pacific Garbage Patch, a con­tinent of plastic debris roughly the size of Texas. (There is now also an Atlantic version.) This 21st-century ’commons‘ is a creation of the conjoined actions of water currents, capitalist accumulation, a fervent ideology of economic growth and ’free markets‘, and the trillions of plastic bags, toys, packaging, machines, tools, bottles that humans manufacture, use, and discard daily.” Jane Bennett, Powers of the Hoard: Further Notes on Material Agency, in Animal, Vegetable, Mineral: Ethics and Objects, ed. Jeffrey Jerome Cohen (Washington, DC: Oliphant Books, 2012), 249. “A stunning 91% of all plastic bot­tles do not get recycled; since plastic takes more than 400 years to degrade, most of these bottles are somewhere on the planet, wrote National Geo­graphic in a July 2017 special report. Many end up in landfills or in lakes and rivers. And many have found their way up into the world’s oceans, where they join plastic trash from other sources to form five massive plastic garbage patches known as gyres. We are dumping so much plastic into our oceans, according to research by the Ellen MacArthur Foundation, that by 2050 they will contain more plastic by weight than fish. The planet’s beaches and islands, even in the Arctic and in remote areas, are being overrun by this blight.” (Barlow 2019: 31).

[5] See Tsui 2020: 123–27; Schenz 2010.

[6] See also the films Atlantique (2019) by Mati Diop, Styx (2018) by Wolfgang Fischer and Transit (2018) by Christian Petzold, the essay We Refugees (1943) by Hannah Arendt and the novel Grand Hotel Europa (2020) by Ilja Leonard Pfeijffer, as well as Pfeijffer’s conversation with Tobias Haberl in Süddeutsche Zeitung Magazin, no. 42 ( 16 October 2020): 8–14.

[7] See also the essay A Theory of Tourism [1958] by Hans Magnus Enzensberger, New German Critique, no. 68 (Spring–Summer 1996): 117–35. On the Caribbean, see Glissant (2020): 8ff.

[8] See Bret Easton Ellis, The Up Escalator, in: The Informers (New York: Alfred A. Knopf, 1994).

[9] Maria Hunstig, Gib Flosse, in: Süddeutsche Zeitung Magazin, 30 July 2020,­kolumne/meerjungfrau-kostuem-schwimmbad-89046.

[10] See Christoph Schlingensief,Trash für Millionen: Benjamin von Stuckrad-Barre traf Christoph Schlingensief, in Kein falsches Wort jetzt— Gespräche, ed. Aino Laberenz(Cologne: Kiepenheuer & Witsch, 2020).

VALERIA SCHULTE-FISCHEDICK (*1968) lebt und arbeitet als Kunsthistorikerin und Kuratorin in Berlin. Aktuell ist sie für das Internationale Atelierprogramm im Künstlerhaus Bethanien verantwortlich. Sie forscht zu Themen wie der sogenannten „Formlosigkeit“ und ihren Lesarten seit den Anfängen in den 1960er Jahren, und veröffentlichte u.a. Texte zu Louise Bourgeois und Lynda Benglis aus queer-feministischer Perspektive. Sie publiziert in Kunstzeitschriften und Künstler* innen-Katalogen.

Geschlossene Gesellschaft zwischen Infinity Pool und Öllache

von Valeria Schulte-Fischedick

A Bigger Splash

Wir kennen es alle, dieses wohlige, leichte, sonnendurchtränkte Gefühl, wenn das Wasser im tiefblauen Pool um unsere Füße glitzert … Wir kennen es alle? Die Ausstellung Swimmingpool – Troubled Waters handelt von Klischeebildern und Ausgrenzungen, sie schöpft aus einem reichen Assoziationsfeld rund um das Thema „Swimmingpool“ und den vielfältigen und nachhaltigen Eintrübungen, die Wasser und unser Verhältnis zu Wasser erfahren.

Ausgangs- und Angelpunkt der Ausstellung ist Luca Guadagninos Film A Bigger Splash von 2015, der Bezug nimmt auf Jacques Derays Thriller La Piscine von 1969, im Titel aber auch David Hockneys gleichnamiges Werk von 1967 aufruft [1]. Guadagnino hat Derays sinnlichen Klassiker, in dem der Pool noch Romy Schneider und Alain Delon in der Sommerschwüle von Saint-Tropez als Kammerspielbühne diente, deutlich gegen den Strich gebürstet. Nicht viel bewegt sich aus diesem elegant inszenierten Beziehungsdrama hinaus in die Welt, die Pariser Studentenproteste oder gar der Vietnamkrieg finden im Film keine Erwähnung.

Die Insel Pantelleria, Schauplatz hingegen in Guadagninos Film, liegt zwischen Sizilien und der Küste Tunesiens. Die Flüchtlingsdramen, die sich hier abspielen, dringen immer wieder am Rande in die Filmhandlung ein – sei es in einer im Hintergrund laufenden Nachrichtensendung, während eine Italienerin den Protagonist*innen die Zubereitung von Ricotta zeigt, oder in dem überraschenden Aufeinandertreffen bei einem Spaziergang, wo sich Film-Protagonist*innen und Geflüchtete sprachlos gegenüberstehen. Gegen Ende werden Letztere unbegründet zu Verdächtigen des im Film stattfindenden Mordes. Tilda Swinton verkörpert exzentrisch-kantig die Rolle, die zuvor Romy Schneider einnahm. Matthias Schoenaerts überführt sehr zeitgenössisch Alain Delon in eine empfindsamere Darstellung von Männlichkeit. Die Insel ist windig und staubig. Die Protagonist*innen nehmen gleich zu Anfang ein Schlammbad, der vielleicht größtmögliche Gegensatz zu einem Bad im himmelblauen Pool. Das entscheidende Moment aber ist das Einweben der Geschichte der Geflüchteten wie am Rande – genau wie auch am Rande der Wahrnehmung in Europa. So schwenkt A Bigger Splash immer zwischen der Perspektive Mikrokosmos privater Pool und Makrokosmos Mittelmeer.

Öffentliche Badeanstalten, private Pools und ihre jeweiligen Architekturen haben eine faszinierende Geschichte. „Pools können auch transgressive Orte sein“, schreibt Christopher Beanland und zitiert Ellena Savage, die Pools mit Michel Foucaults Gedanken zu heterotopischen Orten in Verbindung bringt (Beanland 2020: 13). Der Swimmingpool oder das öffentliche Schwimmbad sind aber auch Orte, an denen Zugangsrechte anhand der sozialen Klasse, des Geschlechts, des Alters aber auch insbesondere der Hautfarbe verhandelt werden und Ausgrenzung unmittelbar stattfand und stattfindet. Nicht zuletzt ist es der Aspekt der Umweltverschmutzung, der sich im Element Wasser im wahrsten Sinne des Wortes verdichtet. Swimmingpool – Troubled Waters ist als ein offenes Assoziationsfeld gedacht, mit Wasser als Grundkonstante und alles verbindendem Element. Der Swimmingpool als unbeschwertes Zeichen von Wohlstand und entsprechende Klischee- und Wunschbilder werden in der Ausstellung nachhaltig eingetrübt.


Wie bereits angedeutet verweist der Titel von Guadagninos Film auch auf Hockneys ikonisches Bild, das heute in der Londoner Tate Britain hängt. Der vom gerade ins Wasser gesprungenen Körper erzeugte „Splash“ im Bild ist zugleich Metapher und Zeichen seiner Abwesenheit: eine zeitliche Stillstellung des „Ebendagewesenen“ [2]. Ungeachtet des Wissens um den Trennungsschmerz Hockneys – der Mann hinter dem Wasserspritzer ist Peter Schlesinger und bereits sein Ex-Geliebter, als er ihn auf diese Weise verewigt – stehen seine Poolbilder mit den charakteristischen Wasserschlieren für ein queer-hedonistisches Lebensgefühl. Charles Sprawson schreibt hierzu: „In Hollywood war es der Effekt von Sonnenlicht auf Wasser, der Hockney faszinierte. [...] in den transparenten Pools von Hollywood verwandelte die kalifornische Sonne eine stille, unbewegte Oberfläche in Muster von tanzenden Linien, die in sämtlichen Farben des Spektrums schillerten. [...] Diese Pools wurden zum Sinnbild der kalifornischen Lebensweise und dienten als Schauplatz für viele der ,blauen Filme‘, die hier gedreht wurden“ (Sprawson [1992] 2002: 286). Sprawson nennt Swimmingpools auch „flüssige Materialisierungen des amerikanischen Traums“ (Sprawson [1992] 2002: 237).

Der französische Street-Art Künstler Aguirre Schwarz (aka ZEVS) hat Hockneys ikonisches Pool-vor-Bungalow-Motiv aufgenommen und ruft mit einfachen Mitteln – eine Öllache ergießt sich in das Schwimmbad – den Themenkomplex Ölverschmutzung durch große Konzerne auf, ein immer wieder aktuelles Thema. Die kuwaitische Künstlerin Monira Al Quadiri lässt in ihrem Film Diver (2018) – Teil des von Olaf Stüber kuratierten Filmprogramms – Synchronschwimmerinnen das Thema Erdöl als einschneidende Zeitenwende im Persischen Golf ausagieren. Als Sound integriert Al Quadiri das traditionelle Lied der Perlentaucher, ein Verweis auf die inzwischen nicht mehr bestehende Erwerbsmöglichkeit zu Zeiten vor der Entdeckung des Öls. Auf eine andere Weise arbeitet Nina Canell in Days of Inertia (2015) mit dem Medium Wasser: Die flach auf dem Boden liegenden Platten halten durch einen hydrophoben Überzug Wasserpfützen in ihrer Mitte. Sie sehen fast aus wie abstrahierte Pools. Sie zeigen das alles bestimmende Element aber auch als poetisches Equilibrium und als seine Umgebung spiegelnde Substanz. Der Titel der Arbeit [dt.: „Tage der Trägheit"], der zugleich ein Roman- oder Filmtitel sein könnte, wenn auch so von der Künstlerin nicht intendiert, lässt an zahlreiche Szenerien rund um den Swimmingpool denken: die Sommerhitze am Schwimmbeckenrand, die Trägheit der (Körper-)Masse, die Unbeweglichkeit, ein Alain Delon, der auf dem Rücken am Pool liegend kaum das Glas anheben mag; Schwerfälligkeit; wunderbare, beneidenswerte Langeweile. Der Titel entstammt zugleich der Physik, wo er die Unbeweglichkeit von Masse beschreibt. Canell legt dem Wasser entgegen seiner natürlichen Tendenz, sich der Schwerkraft hinzugeben und auszubreiten, die Trägheit auf, der Formlosigkeit eine Form gebend.

In Ulrich Vogls kleinformatiger Installation wird eine eher unbeschwerte Version des Pools ins Skulpturale gewendet. Das durch einen Ventilator bewegte und durch einen Scheinwerfer beleuchtete Wasser spiegelt sich an der Wand. Seine Arbeit Kaktus (2012) hingegen wirft die Frage nach Wasserverknappung auf. Fragen der Wassernot und der menschlichen Hybris, Wüstenstädte wie Las Vegas zu erbauen, manifestieren sich auch in der Videoinstallation Neon Oasis (2017) von New Mineral Collective. Die Künstlerinnen Tanya Busse und Emilija Škarnulytė haben ein Spa in Las Vegas gefilmt. Der immense Kontrast zwischen Wüste und künstlich inszenierter Wasserwelt wird unmittelbar erfahrbar.

Die Schriftstellerin und Journalistin Joan Didion, die sich für ihren Essay Holy Water (2017) die Wasserversorgung Kaliforniens näher anschaute – Wasser muss dort aufwendig ins Land gepumpt werden – deutet die dortige Pooldichte allerdings angesichts erlebter Dürren anders, nämlich als Ausdruck von Kontrollverlangen über ein ständig prekäres Element, das zu verschwinden droht [3]. Savage schreibt ihrerseits zu ganz konkreten Eintrübungen öffentlicher Schwimmanlagen: „Das Wasser des Pools fließt nirgendwohin, außer durch einen großen mechanischen Filter hindurch. Giftige Chemikalien desinfizieren das Wasser. Das Wasser steht weitgehend still. Aber selbst die Stille des Pools ist keinesfalls, wie Shakespeare sagen würde, ein Hinweis auf Tiefe. Der andere Name des Kinderpools? Piss-Paradies. Das Risiko, sich in Ihrem örtlichen Pool mit E. coli zu infizieren? Fast garantiert. Der Pool ist immer ein bisschen kontaminiert, ja, und ein bisschen eklig. Wenn der Pool überhaupt etwas bedeutet, dann unser Vertrauen in den Staat – oder zumindest in die Betreiber –, dass sie die Scheißpartikel neutralisieren, bevor diese in unseren Mund hineinwirbeln.

Das Blau, Türkis oder Aquamarin der angestri­chenen oder gefliesten Wände des Pools verweist auf das platonische Blau von unwirklichem Wasser. Draußen, in der Maschinerie der Natur, haben Ge­wässer eher die Farbe von Kupfer, Metall, Tinte oder Sand. Das elektrische Blau ist also der erste Hinweis darauf, dass sich mit dem Pool wichtige und unwirk­liche Vorstellungen von Gesundheit, Inklusion und Identität verbinden.“ (Savage 2019)

Klara Hobza durchtaucht in Diving Through Europe ebenfalls wenig einladende, brackige Flüsse vom Atlantik bis zum Schwarzen Meer, taucht neben gigantischen Schiffsschrauben und geht in Delft neben überraschten Tourist*innen an Land. Nicht weniger absurd-imposant als dieses auf 30 Jahre angelegte Projekt und ebenfalls doppelbödig ist Daniel Bozhkovs Darth Vader, der ein gigantisches Meer mit einem Britafilter zu säubern sucht.

Wenn die norwegische Künstlerin Sandra Vaka Sonnenmilch als künstlerisches Medium einsetzt, dann verweist das nicht nur auf den wasserverunrei­nigenden Aspekt von Sonnenschutzmitteln, son­dern auch auf den invasiven Aspekt des Tourismus. Autorinnen wie Jane Bennett oder Maud Barlow be­schreiben die Verschmutzung der Gewässer durch Plastik und die gigantischen sich im Meer sammeln­den Plastikinseln [4].

Die isländische Künstlerin Hulda Ros Gudnadottir durchleuchtet die Arbeits­verhältnisse in der Fischindustrie ihrer Heimat. Unter Einbindung von Arbeitern und anhand der Dokumentation von Ver­änderungen in dieser Branche betrach­tet sie außerdem die Probleme, die das industrielle Leerfischen mit sich bringt. 2016 ließ die Künstlerin als Teil 4 ihres in mehreren Kapiteln angelegten Projektes Keep Frozen (2010–2016) Dockarbeiter ein auf dem Meeresgrund gefundenes und geborgenes Fischernetz – ein so­genanntes Geisternetz – vom Hafen in Reykjavík zum ASÍ Kunstmuseum tragen und dort am Ende der Performance Teil der Ausstellung werden.

Leerstellen und Ausgrenzungen

Im Zentrum der Ausstellung steht neben dem ideengebenden Film von Guadagni­no insbesondere auch das C& Center of Unfinished Business von Yvette Mutumba, Julia Grosse und Mearg Negusse. Diese Recherchearchitektur stellt neben eigener und geliehener Literatur – in diesem Fall von Each One Teach One (EOTO) e.V. – auch Publikationen der gastgebenden Institution aus einer kolonialkritischen Perspektive zusammen und beleuchtet die Leerstellen in den Beständen letzte­rer. Die Besucher*innen der Ausstellung werden eingeladen, auf Post-its zu kom­mentieren, Artikel zu drucken und somit ihre Spuren zu hinterlassen. Negusses Beitrag zum Ausstellungskatalog bei­spielsweise analysiert eines der Bücher aus der Bibliothek des Künstlerhauses Bethanien genauer: Natur im Bild – Land­schaftsmalerei des 19. Jahrhunderts aus der Sammlung der Neuen Galerie Graz. Vor dem Hintergrund dieses „Standardwerkes“ europäischer Kunstwissenschaft widmet sich die Autorin den Personendarstellungen in der Kunst Edward Mitchel Bannisters, einem der wenigen Schwarzen Land­schaftsmaler des 19. Jahrhunderts. Bannisters Land­schaften, so wird deutlich, zeigen keine Schwarzen Personen, was Negusse als „Überlebensstrategie“ deutet.

Die Geschichte öffentlicher Schwimmanstalten und Bäder, insbesondere in den USA, und ihr Aus­schluss von Schwarzen wurde 2007 von Jeff Wiltse eindringlich erzählt in Contested Waters: A Social History of Swimming Pools in America [5]. Eine in die Ausstellung integrierte historische Fotografie von Eve Arnold aus dem Jahr 1964 zeigt den Ho­tel-Manager James Brock, der Säure in einen Pool der Monson Motor Lodge in St. Augustine, Florida, schüttet, um die darin gegen Segregation protes­tierenden Schwarzen und Weißen Aktivist*innen zu vertreiben. Die Protestaktion in der Monson Motor Lodge war ein zentrales Ereignis in der Geschichte der Bürgerrechtsbewegung.

A ‘jump-in’ staged at the Monson Motor Lodge pool, open only to Whites, as the motel manager James Brock pours muriatic acid into the pool. June 18, 1964 in St. Augustine, Florida. Copyright: Rolls Press/ Popperfoto via Getty Images.

In seinem Buch schreibt Sprawson über die Diskriminierung auch von Amerikaner*innen japa­nischer Herkunft in den USA in einer öffentlichen Badeanstalt in Kalifornien, die sie nur an Freitagen nutzen durften und die „anschließend trockengelegt und gereinigt“ (Sprawson [1992] 2002: 289) wur­de, bevor sie am Samstag wieder den Weißen zur Verfügung stand. Öffentliche Schwimmbäder waren und sind ein wichtiger sozialer Raum, in dem sich über die Zeit Verschiebungen in den umkämpften Fragen über Zugangsrechte von Geschlecht, Klas­se, Alter und insbesondere Hautfarbe vollziehen. Nicht zuletzt die Frage, wer schwimmen (lernen) kann, spielt hier eine entscheidende Rolle. So ver­weist Savage auf die Nichtschwimmerproblematik, die sich in anderen Ländern weitaus dramatischer äußert als beispielsweise in Europa. Vielfach wird hier auch die Frage des Geschlechts entscheidend: So geschehen etwa 96 Prozent der Todesfälle durch Ertrinken in Ländern mit geringerem Einkommen, davon wiederum sind 90 Prozent Frauen und Mäd­chen (Savage 2019; Beanland 2020: 14).

Aber auch in stark durch Fischerei geprägten Ländern wie Island war Ertrinken eine häufige Todesursache. Der isländische Dokumentar- und Kunstfilm Dive: Rituals in the Water (2019) von Elín Hansdóttir, Anna Rún Tryggvadóttir und Hanna Björk Valsdóttir porträtiert einen passionierten und innovativen Schwimmlehrer, der über Generationen hin Babys und Behinderten Selbstvertrauen im und unter Wasser vermittelt. Die enge Verbindung der Fähigkeit zu Schwimmen und Partizipation zeigt auch der Dokumentarfilm Trockenschwimmen (2016) von Susanne Kim, in dem ältere Menschen das Schwimmen und damit einen anderen Zugang zum Leben erlernen. In dem brasilianischen Kurzfilm Breakwater (Quebramar) (2019) von Cris Lyra wiederum, in der junge Lesben einige Tage in einem geschützten Bereich am Meer verbringen, geht es nicht zuletzt auch um die Über­windung von Traumata wie Polizeigewalt.

Der zur „Saisonverlängerung“ in die Ausstellung eingeladene Berliner Projektraum TROPEZ präsen­tiert unter der Leitung von Nele Heinevetter in den Sommermonaten im öffentlichen Schwimmbad Humboldthain ein vielbeachtetes und einzigartiges Programm. Im Sommer 2020 wurde dort für eine dreimonatige Residenz mit Jessica Korp eine Sozial- und Kulturwissenschaftlerin und Kuratorin eingeladen, die sich im Schwimm­bad umgehört und umgesehen hat. Ihr Fazit: Auch hier ist der Zugang zum Schwimmbecken von Hürden geprägt, die bestimmte sozial schlechter gestellte Gruppen außen vor lassen. In ihrer Recherche widmete sie sich vor allem auch Vereinen und Initiativen, die sich in Berlin mit Fragen der Inklusion auseinandersetzen.

Wie sich Zugänge ganz offensichtlich manifestieren, wird in den Luftaufnahmen von Johnny Miller sichtbar. Eine für die Ausstellung ausgewählte Drohnenaufnahme von Johannesburg macht den starken Kontrast von luftigen, von Pools begleiteten Häuseransiedlungen zur linken Seite einer Straße gegenüber dichtgedrängten Häusern direkt zur rechten Seite deutlich erkennbar.

Eine weitere Filmreferenz schafft in diesem Zusammenhang eine Assoziationskette für die Ausstellung: The Swimmer [dt.: „Der Schwimmer"] (1968) – auf einer Kurzgeschichte von John Cheever basierend und von Frank Perry und Sydney Pollack verfilmt – ist ein schichtenreiches Melodram rund um Klassenschranken und Segregation. Die Lebensgeschichte des anfangs strahlenden und durchtrainierten, durch die Pools seiner vermeintlichen Freunde schwimmenden Protagonisten (gespielt von Burt Lancaster) bricht von Pool zu Pool mehr in sich zusammen. Dazwischen mischen sich stolze durchweg Weiße Poolbesitzer, die nicht müde werden, ihre neuesten Filtersysteme anzupreisen, die 99,99 Prozent aller Schmutzpartikel entfernen. Den Schwarzen Chauffeur einer Familie verwechselt er zunächst und beginnt dann über das musikalische Talent, das „Rhythmusgefühl“ des Vorgängers zu reden. Die zunehmende Distanzierung des ihn fahrenden Mannes weiß er nicht zu deuten.

The Swimmer ist eine Parabel über gesellschaftlichen Absturz und Ausschluss, der Pool ein Symbol von Reichtum und gesellschaftlicher Anerkennung. Ein „amerikanischer Traum“, der vom Protagonisten jedoch angezweifelt und von dem er zunehmend ausgeschlossen wird. Entrückt stellt er seinen eigenen, naturverbundenen „Traum“ dagegen. Am Ende durchquert er mit letzter Kraft ein öffentliches, völlig überfülltes Bad, die Sprache der dort angesichts der Fülle mehr stehenden als schwimmenden Menschen ist die der „unteren“ Klassen. Auf dem Hügel direkt darüber liegt seine verfallene Villa. Dass der Protagonist am Ende im eigenen Anwesen keinen Pool, sondern „nur“ einen Tennisplatz hatte, erweist sich als interessanter Kniff der Regisseure.

Fermín Jiménez Landa stellt diesen ikonischen Film im Jahr 2013 nach, Spanien auf dem Weg durch Schwimmbäder durchquerend. Lakonisch klingelt er mit Badetuch über der Schulter und in Badelatschen an Anwesen mit hohen Zäunen. Wassermangel stellt auch in Spanien ein akutes Problem dar, das Wasser fließt aber dennoch reichlich in die Pools und Golfplätze, genutzt nur von einem prozentual geringen Bevölkerungsanteil. Das Narrativ des Schwimmers setzt sich im Filmprogramm von Olaf Stüber fort: Die italienische Regisseurin Rä di Martino transferiert das Szenario 2017 als Meta-Making-of-Film nach Marrakesch und führt in Controfigura (Stand-In) nicht zuletzt Klassen-Segregation vor Augen. Die schönsten, größten Anlagen und Pools gehören vorwiegend nicht den einheimischen Marokkaner*innen.

Diese frühen filmischen Referenzen, insbesondere die genannten US-amerikanischen und französischen Filme prägen als feste Konstanten der Pop- und Hochkultur ein dem westlichen Kulturkreis entsprechendes Denken, Vorstellungen von Wohlstand und der Einteilung der Welt.

Den Blick aus der anderen Perspektive, hier insbesondere hin zu Europa, zeigen in der Ausstellung zwei Filme: Manthia Diawara drehte mit dem auch auf der documenta 14 präsentierten Film An Opera of the World (2017) eine Verknüpfung der afrikanischen Oper Bintou Were, a Sahel Opera, die 2007 in Mali aufgeführt wurde, mit zeitaktuellen, aber auch historischen Flüchtlingsströmen. Die Betonung liegt nicht zuletzt auf den neuen Kulturen, die sich durch Migrationsströme bilden und historisch immer schon gebildet haben, auch aus emigrierenden Europäern, die nun selbst zu großen Teilen ihre Grenzen verschließen. Auch in Touki Bouki, einem Film des senegalesischen Regisseurs Djibril Diop Mambéty aus dem Jahr 1973, ist das Sehnsuchtsziel der jungen Protagonist*innen Europa, insbesondere Paris. Zugleich schildert er die innere Zerrissenheit, die mit dem geplanten Verlassen des eigenen Landes verbunden ist und den hohen Preis, den es kostet [6].

Äußerst poetisch und zugleich schmerzhaft scheint diese Segregation durch (See-)Grenzen und unerreichbare Länder im Werk des algerischen Künstlers Mounir Gouri auf, der 2016 den Abschied von zwei Freunden vor ihrem Seeweg nach Italien in den subtilen Film Naufrage (Shipwreck) überführte. Als Kind, so erinnert er sich zudem, träumte er davon, einen Swimmingpool im Garten seines Elternhauses auszuheben, da das Meer unerreichbar schien. Auch die in langen Einstellungen gefilmte, in einem kleinen Ruderboot vorgenommene Tour von der Türkei bis nach Samos von Santiago Mostyn mit dem vielsagenden Titel Citizen [dt.: Bürger] (2015–2017) hinterlässt beim Zuschauer eine subkutane Melancholie und vermittelt nicht zuletzt das kolossale Unverhältnis zwischen der Weite des Meeres und dem winzigen Boot und seinem Insassen.

Poster of Wolfgang Fisher’s Styx, 2018. Copyright: Beta Cinema.

In seinem jüngsten Buch Ferienmüdearbeitet Valentin Groebner die Verknüpfung von touristischen „Traumdestinationen“ mit der Geschichte der Sklaverei heraus. Die Kanarischen Inseln oder die Karibik bekommen nach der Lektüre eine neue Bedeutung: „Nicht nur in Venedig, sondern auch an ziemlich vielen anderen Orten sind die modernen Touristen direkt auf den Spuren der Sklavinnen und Sklaven unterwegs. Der moderne Inbegriff für die tropische Idylle, die Karibik, ist der koloniale Archipel der Zwangsarbeit. Zwischen dem 16. und dem Ende des 18. Jahrhunderts wurden zwischen fünf und sechs Millionen Westafrikaner dorthin verkauft, um auf den Plantagen billigen Kaf­fee und Zucker für Europa zu produzieren“ (Groeb­ner 2020: 117) [7]. Der Strand war vor noch nicht allzu langer Zeit ein gefahrenvoller und gemiedener Ort, Einfallstor für Piraten und Eroberer, denen man hier schutzlos ausgeliefert war (Groebner 2020: 24ff). Sie als „Traumdestinationen“ zu deuten und nutzen, bedeutet zugleich ein Ausblenden dieser Vergan­genheit.

Gegen dieses Verdrängen agiert Alice Creischer: Sie transportiert die deutsche Beteiligung an der blutigen Niederschlagung der Pariser Kommune 1871 ins Brandenburgische Tropical Island, einer mit hohem Energie- und Kitschaufwand betriebenen Badelandschaft mit Sandstrand und Palmen. In ihrer Videoarbeit lassen sich Kinder in Kleidung der Kommunarden immer wieder in den Sand fallen, mal schnell wie erschossen, mal langsamer. Künst­lerisch-abstrahierte Einschusslöcher markieren das Gewaltsame der Szene inmitten unbeeindruckter Badegäste. Das Thema der Kolonialisierung zieht sich auch durch die Arbeit von Ming Wong: In seiner Installation Bloody Marys – Song of the South Seas (2018) inszeniert der singapurische Künstler Kli­schees der Südsee und tropischer Exotisierung in Zusammenhang mit dem Pazifikkrieg.

Schwimmen im Metaphernpool

Nicht nur das Wasser ist reich an Symbolik, auch der „Swimmingpool“ ist eine Metapherpar excellence. In John Updikes Kurzgeschichte Der verwaiste Swim­mingpool (1970) ist der am Ende leere Pool Sinnbild für das Austrocknen einer Beziehung. Bei Bret Eas­ton Ellis, dem Meister des Californian Cool, können weder der schöne Pool noch der Poolboy dem beruhigungsmittelbedröhnten Dasein einer Prota­gonistin in LA Sinn verleihen [8]. Im Film Youth (2015) von Paolo Sorrentino wird der Pool zum Jungbrun­nen, in der zwei alternde Männer eine „Miss Uni­versum“ anschmachten. Der Rap-Musiker Kendrick Lamar nimmt in Swimming Pools (Drank) (2012) das Schwimmbecken als Sinnbild für den Alkoholtod eines Freundes auf. Laurie Anderson besingt 1995 die Gefangenschaft eines Wals in einem Delphinari­um: „Und eine der Fragen, die der Wal immer stellte, war: Haben alle Ozeane Wände?“ Das Süddeutsche Zeitung Magazin konstatiert 2020 einen Mermai­ding-Trend, und tatsächlich baden vermehrt junge Frauen mit Wasserjungfrauen-Flossen [9].

Es gibt unzählige weitere Filme, die in und um den Swimmingpool inszeniert sind: The Party [dt.: „Der Partyschreck“] mit Peter Sellers aus dem Jahr 1968 ist aus heutiger Sicht schwer erträglich, da angefüllt mit fürchterlichen Stereo­typen. In The Graduate [dt.: „Die Reife­prüfung“] dient der Pool als Rückzugsort vor der erschreckenden und anspruchs­vollen Welt der Erwachsenen, Dustin Hoffmann als Protagonist springt in voller Tauchermontur ins Becken, um dem Irr­sinn zu entkommen. In Rocketman, einem Elton-John-Biopic, bezeichnet eine lange Poolszene ebenfalls eine Flucht: Die Nah­toderfahrung unter Wasser im Pool lässt den erwachsenen John sich selbst als Kind wiederbegegnen. In der Netflix-Serie White Lines (2020) spielen gefühlt 90% der Szenen entweder in Pools oder im Meer. Pools sind nicht zuletzt immer wieder gerne verwendete Schauplätze in Horror- und Pornofilmen. Hollywood kreierte zudem ein eigenes Genre: das Wasser-Musical mit Synchronschwim­merinnen als Chor (Hodgson 2018: 7). Genannt wer­den sollte hier zudem La Ciénaga – Morast (2001), ein argentinischer Film von Lucrecia Martel, in dem das Wasser des Pools so undurchsichtig ist wie die emotionalen Verstrickungen und Abgründe der Pro­tagonist*innen. Der kubanisch-sowjetische Film Soy Cuba von Michail Kalato­sow aus dem Jahr 1964 eröffnet mit einer unver­gesslichen langen Kame­rafahrt und schließt mit einer Unterwasserszene im Pool ab, gedreht mit lediglich in einer Plastik­tüte verpackten Kamera.

Die Ausstellung ließe sich in viele Richtungen erweitern, der Swim­mingpool zwischen Sehnsuchtsbild, Status­symbol und Sozialdia­gramm ist ein wahrer Seismograf gesellschaft­lichen Treibens. Ins­besondere Filme und Videoarbeiten scheinen ein wasseraffines Medi­um zu sein. Neben David Hockney haben sich viele andere Künstler*innen mit dem Sujet „Pool“ in allen möglichen Formen beschäftigt, so unter anderem Martin Borowski, Anne Frémy, Nan Goldin, Isa Mels­heimer, Ed Ruscha, Ryan Trecartin, James Turrell oder Bill Viola. In Venedig war es 2001 möglich, sich während der 49. Biennale im argentinischen Beitrag trockenen Fußes in einen Pool von Leandro Erlich zu begeben: lediglich eine dünne Schicht Wasser auf einer Plexiglasscheibe über den Köpfen der Besu­cher*innen erzeugte die Illusion, sich unter Wasser zu befinden. Ebenfalls in Venedig und neben einer großen öffentlichen Poolarbeit auch in New York, ließen Elmgreen & Dragset auf der Biennale 2009 die Figur eines toten Sammlers kopfüber im Was­serbassin des Nordischen Pavillons treiben. Tracey Emin plant(e) ein größeres Poolprojekt entlang der Themse, wie die Sunday Times 2003 berichtete. Nur Christoph Schlingensief dachte hier noch etwas größer: 1998 hatte er die provokante Idee, den österreichischen Wolfgangsee durch sich zahllos ins Wasser begebende Arbeitslose – die Zahl der Arbeitssuchenden war damals besonders hoch – an den Ufern überlaufen zu lassen und so das Urlaubs­domizil des damaligen Bundeskanzlers Helmut Kohl zu fluten [10]. Ohne Sonnenbrille und Weichzeichner betrachtet, ist das Thema tatsächlich unerschöpf­lich und birgt unter der schillernden Oberfläche wei­tere (Un-)Tiefen.

[1] 2003 erschien das brillante, sehr frei interpretierte Remake von François Ozon, Swimming Pool.

[2] Die NS-Propaganda-Fil­memacherin und Fotografin Leni Riefenstahl hat während der Olympischen Spiele 1936 ins Wasser eintauchende Schwimmerkörper fotografiert und die „Splashes“, die diese insbesondere unter Wasser produzieren.

[3] „Ich wollte immer einen Swimmingpool [...] und ich habe nie einen bekommen [...] Wenn er einmal gefüllt ist und der Filter den Prozess der Reinigung und Wiederaufbe­reitung begonnen hat, braucht ein Pool praktisch kein Wasser. Doch der symbolische Gehalt eines Swimmingpools spricht eine andere Sprache: Ein Pool ist oft missverstanden worden als ein Zeichen von Reichtum und Überfluss, vorgetäuschtem oder realen, und wurde als eine Art hedonistische Aufmerk­samkeit auf den eigenen Körper interpretiert. Tatsächlich ist ein Pool für viele Menschen im Westen nicht ein Symbol von Überfluss sondern von Ordnung: von Kontrolle über das Unkontrollierbare. Ein Pool ist domestiziertes Wasser, das man verfügbar und nützlich gemacht hat. Und als solches ist es unendlich tröstlich und beruhigend für das westliche Auge“ (zitiert nach Sprawson [1992] 2002: 290f). Zur Thema­tik der Wasserknappheit in Kali­fornien und den sogenannten „California Water Wars“, siehe auch den Roman-Polanski-Film Chinatown (1974).

[4] „Ein Beispiel eines kollek­tiveren Haufens ist das Great Pacific Garbage Patch, ein Kon­tinent aus Plastikabfällen, der ungefähr so groß wie Texas ist. (Es gibt mittlerweile auch eine atlantische Version.) Dieses ,Gemeingut‘ des 21. Jahrhun­derts ist das Resultat der mitei­nander verbundenen Einwirkun­gen von Wasserströmungen, kapitalistischer Akkumulation, einer leidenschaftlichen Ideo­logie des Wirtschaftswachs­tums und ,freier Märkte‘ sowie der Milliarden von Plastiktüten, Spielzeugen, Verpackungen, Maschinen, Werkzeugen,
Flaschen, die Menschen täglich herstellen, verwenden und wegwerfen.“ Jane Bennett, „Powers of the Hoard: Further Notes on Material Agency“, in: Animal, Vegetable, Mineral: Ethics and Objects, Hg. Jeffrey Jerome Cohen, Oliphant Books, Washington (DC) 2012, S. 249. „Verblüffende 91% aller Plastikflaschen werden nicht recycelt. Da sich Plastik erst nach über 400 Jahren zersetzt, liegen die meisten dieser Flaschen, so ein Sonderbericht des National Geographic im Juli 2017, irgendwo auf unserm Planteten herum. Viele landen auf Deponien oder in Seen und Flüssen. Viele enden aber auch in den fünf riesigen Wasser­wirbeln der Ozeane, wo sie sich mit Plastikmüll anderer Herkunft zu gewaltigen Plastik­müllinseln zusammenschließen. Wir kippen so viel Plastik in unsere Meere, dass sie 2050 laut einer Untersuchung der Ellen MacArthur Foundation nach Gewicht mehr Plastik als Fische enthalten werden. Die Strände und Inseln des Pla­neten, sogar die in der Arktis, werden von dieser Verwüstung heimgesucht werden“. (Barlow 2020: 31).

[5] Siehe auch Tsui 2020: 123–127; Schenz 2010.

[6] Siehe auch die Filme Atlantique (2019) von Mati Diop, Styx (2018) von Wolfgang Fischer und Transit (2018) von Christian Petzold, den
Essay Wir Flüchtlinge (1943) von Hannah Arendt und den Roman Grand Hotel Europa (2020) von Ilja Leonard Pfeijffer, hierzu auch sein Gespräch mit Tobias Haberl im Süddeutsche Zeitung Magazin, Nr. 42, 16. Oktober 2020, S. 8–14.

[7] Siehe auch den Essay Vergebliche Brandung der Ferne. Eine Theorie des Tourismus (Merkur, Nr. 126, August 1958) von Hans Magnus Enzensberger. Zur Karibik siehe Glissant (2020): 8ff

[8] Bret Easton Ellis, Es geht aufwärts, in: Die Informanten, Kiepenheuer & Witsch, Köln 2001, S. 30–32.

[9] Maria Hunstig, Gib Flosse, Süddeutsche Zeitung Magazin, 30. Juli 2020,

[10] Christoph Schlingensief, Trash für Millionen: Benjamin von Stuckrad-Barre traf Christoph Schlingensief, in: Kein falsches Wort jetzt – Gespräche, Hg. Aino Laberenz, Kiepenheuer & Witsch, Köln 2020, S. 114f.

Valeria Schulte-Fischedick
Gustav Elgin / Carola Uehlken
6th of August – 15th of September
2—7 pm
Kottbusser Str. 10, 10999 Berlin

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